Entrevista: Ludovica Isidori sobre no ir a lo seguro con "Sanctuary"

A veces puede ser una tarea ardua revisar los guiones, buscar un próximo proyecto cuando todo lo que realmente quieres hacer es estar en el set, pero para Ludovica Isidori, se ha convertido en una de sus partes favoritas del proceso.

"Me da la oportunidad de leer tantos guiones, y me encanta leer historias. Leo guiones y mi mente empieza a funcionar simplemente porque empieza a imaginar la película que me gustaría ver", dice Isidori. "Es tranquilo, pero es grande, y luego me encuentro con tantos directores que amplían mi visión de la vida".

Lo mismo podría decirse de Isidori, quien ha demostrado la capacidad de ampliar el lienzo para cualquier cineasta con el que haya trabajado como directora de fotografía, literalmente estirando el marco a veces a su máximo potencial, pero también abriendo sus posibilidades. Después de causar una impresión inmediata con su trabajo en "Test Pattern" de Shatara Michelle Ford, en el que el director y el DP colaboraron para diseñar una paleta de colores sin rojo hasta las secuelas de una traumatizante agresión sexual, Isidori baña su última película en burdeos, ambos para preparar el escenario para el mundo majestuoso en el que Hal (Christopher Abbott), el heredero de una fortuna hotelera, y Rebecca (Margaret Qualley), la dominatriz a la que le ha pedido que suba a su rascacielos, están operando y como señales de advertencia. que luchan por prestar atención cuando Hal intenta terminar su relación profesional, pero ambos se dan cuenta de que hay apegos personales persistentes que son mucho más difíciles de deshacer.

En la perversa batalla de ingenio del director Zachary Wigon que rara vez sale de la habitación donde Hal le da la desafortunada noticia a Rebecca, es posible que las cosas nunca parezcan lo que les parecen a los dos, ya que ambos operan bajo la ilusión de que la fantasía en la que se involucran no los involucra íntimamente. hasta cierto punto, pero Isidori no se pierde nada con la cámara, que se vuelve tan juguetona como los actores frente a ella mientras resuelven la realidad de su relación. Ya sea jugando con sostener la cámara o colocándola en un brazo estabilizador para capturar el frágil estado de ánimo de Rebecca y Hal o ejecutando tomas largas que pueden impresionar en su destreza, pero más aún cuando reflejan la línea de pensamiento de un personaje al obtener algo de claridad por sí mismos. , Isidori y su equipo aportan sensibilidad y explosividad al drama de cámara, logrando de alguna manera una imagen aún más amplia de los personajes de lo que permite la relación de aspecto de 2,39:1 preferida por David Lean. Después de que la película inundara las pantallas por primera vez en el Festival de Cine de Toronto del año pasado, "Sanctuary" se ha estado estrenando en los EE. UU. y recientemente, Isidori habló sobre cómo encontró su vocación, su exquisito trabajo en su última película y las colaboraciones que atesora en un produccion de pelicula.

¿Cómo te interesaste en "Sanctuary"?

Me encantó porque es brillante, rápido, ingenioso, oscuro y se lee súper rápido, y cuando conocí a Zach, fue como un amor profesional a primera vista. Simplemente hicimos clic, y es divertido porque era la primera vez que tenía una reunión de lanzamiento y sentí que él se estaba presentando a mí más que al revés. Yo estaba como "Espera, ¿qué está pasando?" Y el atractivo fue Zach porque en los primeros 10 minutos dijo: "Está bien, Ludo, sé que son dos personas en una habitación y sé que estamos saliendo de una pandemia en la que se hicieron muchas películas dentro de un espacio contenido". con una cantidad muy limitada de actores, pero no quiero que sea una película pandémica. Quiero que sea cinematográfica y lo haremos juntos" y lo primero [que me atrajo] del guión era que tenía un ritmo que era tan diferente de todo lo que he leído. Así que no fue como, "Oh, vamos a hacer esto de nuevo". Fue como, "¿Cómo podemos explorar esto? ¿Cómo lo convertimos en algo que sea entretenido y le permita a la gente olvidar que solo estamos en la misma habitación?"

La película se anuncia a sí misma como esta gran experiencia cinematográfica justo dentro del marco amplio. ¿Fue un lienzo emocionante para trabajar?

Decidimos 2.39 [proporción] porque teníamos la idea de cambiar lentes a lo largo de la película, así que comenzamos en anamórfico, pasamos a esférico y luego volvemos a anamórfico para el final y la pantalla ancha era lo que tienen estos lentes. en común. Definitivamente se trata de estas dos personas, pero hay muchos momentos en los que se trata de ser consciente de todo lo demás en la habitación porque es un juego de poder. Es como si estuvieras jugando al ajedrez y necesitas ser consciente del movimiento de tus enemigos tres movimientos por delante, por lo que es esta hiperconciencia de [cómo] existe este personaje pero en un espacio muy específico y la forma en que se mueven y la forma en que cruzan [entre sí], estando juntos en un marco.

Parece que gran parte del color y la forma en que se iluminarían las habitaciones se integraron en el diseño de producción. ¿Cómo fueron esas primeras conversaciones?

Sí, el diseño de producción fue fundamental y Zach y yo pasamos mucho tiempo con el diseñador de producción, y los matices estuvieron ahí desde el principio, pero una vez que ves [el set], no solo ves una habitación en tiempo real. , pero también los ves en contexto, porque son [escenas] que van de una habitación a otra, así que [cómo] nuestros colores contrastan o están en conversación entre sí significó mucho: Zach y yo caminábamos [alrededor] al final de cada día, revisando el color de los azulejos en el baño y [teníamos estas] conversaciones, "¿Podemos hacer que este baño sea oscuro en lugar de un baño blanco clásico? ¿Hay papel tapiz? ¿Qué es el tapiz en el fondo? ¿Hay cosas similares con las que podamos jugar?" Esa es la ventaja de construir [un conjunto], tienes control sobre él. Y supimos desde muy temprano que el color iba a desempeñar un papel emocional, no solo [simplemente] estar allí.

Y con las lámparas, como ves en la película, hay una parte en la que ciertas lámparas se rompen, así que esa fue una gran parte de mi conversación con ellos en términos de cómo motivo una iluminación que está cambiando. Parte de esto fue narrativo porque algunos accesorios literalmente se rompieron, pero eso también informó el bloqueo porque obviamente era la practicidad de si esta lámpara está aquí, el actor puede realmente romperla, pero también tendrá sentido que esta habitación se oscurezca. teniendo en cuenta la escena cuando va a tener lugar? Así que era como una matrioska, una muñeca rusa. Cada conversación abrió otra y otra y el equipo de arte fue fenomenal. Fueron muy, muy abiertos para satisfacer nuestras necesidades y aunque era una película más pequeña con recursos limitados, como lo son las películas independientes, creo que todos estaban enamorados de la historia y tenían una comprensión profunda de los ritmos narrativos y al final de el día, si los entiendes, puedes encontrar maneras.

Algo que funcionó en mí inconscientemente la primera vez y me entusiasmó darme cuenta la segunda vez fue que hay mucho movimiento que es una cámara fija fluida o tecnogrúa, pero también tienes una buena cantidad de operación manual. ¿Qué motivó cómo seguirías a los personajes en una escena?

La conversación con Zach al principio fue básicamente ¿cómo creamos un concierto de jazz [donde] vamos de pieza en pieza? O cómo creamos una alineación [donde] hay todas estas canciones diferentes, pero tienen sentido juntas y la que tocas ahora, valdrá la pena [más tarde] y cómo [creamos] una puntuación o un ritmo donde el la cámara se mueve y el estilo de la cámara cambia de microcapítulo a microcapítulo de una manera que apoya la actuación o juega con ellos y se convierte en un tercer personaje de una manera orgánica. Tuvimos una cabeza remota por un día, así que no hagamos que [suene como] que teníamos una tecnogrúa en el escenario [durante todo el rodaje]. Pero teníamos Steadicam, usamos cámara de mano, usamos una plataforma rodante, usamos batidoras y, por supuesto, de una manera que no quitaba a los actores, porque puedes tener movimientos de cámara geniales, pero si te distraen de la historia, le quitan rendimiento, no hago bien mi trabajo. Así que fue encontrar y afinar, cómo lo hacemos divertido, pero siempre dentro de un equilibrio con ellos y dentro de su juego.

La cámara realmente acentúa las interpretaciones, e imagino que estás intentando lo más posible no filmar lados iguales para sacarlos de la energía de lo que sea que esté pasando de un lado a otro. ¿Fue divertido pensar en eso?

Sí, pero ¿fue fácil? A veces no porque hay una coreografía compleja y aunque teníamos la ventaja de construir [un set], éramos una producción modesta y teníamos una ubicación que una vez construida no era tan flexible, por lo que toda la coreografía se movía. Y la toma [toma] tenía que ser precisa en cuanto a la cámara, al actor, y la forma en que lo conseguimos fue quedándonos horas después de la preparación durante muchas, muchas noches: éramos Zach y yo con nuestros teléfonos y un día, era el hermano de Zach, un día fue su mejor amigo, un día fue nuestro [asistente de producción] y solo ensayamos la primera mitad de la película o más todas las noches, y una vez que tenemos a los actores, agregan su propia toma personal y movimiento, pero teníamos que asegurarnos de que la cámara y el bloqueo tuvieran sentido y funcionaran visual pero también emocionalmente.

Probablemente hayas elaborado una lista exhaustiva, pero una vez que estás allí ese día, ¿hay algo que cambie tus ideas?

Esa es la mejor parte. Las pinceladas más grandes siempre están ahí, pero cuando entran los actores, traen energía y creo que la energía informa la velocidad porque con los movimientos de la cámara, puedes hacer el bloqueo y [saber] dónde está la cámara, pero la velocidad, el ritmo, eso es algo que solo puedes descubrir una vez que estás en el set porque literalmente responde a la energía que te presentan los actores. Obviamente, trabajo con un operador de Steadicam y estuve casado con uno, así que creo que soy muy bueno para comunicarme y entender la diferencia entre un Dolly, un Movi y un Ronin, qué hacen y cuándo preguntar por cuál. herramienta, pero también soy muy bueno hablando y escuchándolos porque sé que hay un elemento físico que es parte de lo que el operador aporta al set, por lo que la dinámica es excelente.

Por lo general, para las películas independientes, opero, pero esta vez tenía ocho meses y medio de embarazo, así que literalmente no pude operar algo porque no podía encajar en la plataforma rodante y fue como volver a entrenar mi cerebro. para hacer exactamente lo que pides: seguir sintiendo la energía que hay en el set y capturar todos esos matices que solo tienes el sello del actor, pero estando en un monitor. Eso era nuevo y creo que mi operador y yo hicimos un muy buen trabajo. Ciertas tomas, como la escena de sexo, pensé: "Necesito operar esto porque no hay forma de que pueda explicarlo". Literalmente, solo necesitas sentir la cámara y realmente se convierte en una extensión de tu cuerpo. Hay algo fluido y físico, casi como tu carne. ¿Cómo le explicas a alguien lo que significa estar en tu propio cuerpo? No lo haces, simplemente sé.

Es cierto que aquí es donde estoy fuera de mi alcance ya que pregunto desde un punto de vista artístico, no técnico, pero ¿hubo una atracción por cierto tipo de cámara en esto?

Probamos algunas cosas. Pensamos en filmar en gran formato y luego nos dimos cuenta de que necesitábamos algo delgado, así que elegimos la Alexa Mini y he trabajado con ella durante muchos, muchos años, así que para mí fue algo natural. Es una cámara pequeña, pero hermosa en la forma en que da tono a la piel y pensamos que era una herramienta muy versátil que podíamos moldear de la forma que quisiéramos. En términos de lentes, sabíamos que queríamos anamórficos en los sujetalibros y luego esféricos en el medio. Probamos algunos, y Zach se enamoró especialmente del anamórfico Cooke. Los vio y dijo: "Oh, Dios mío, Ludo, estos son tan buenos". Y a veces esa reacción instintiva que no puedes explicar y es por eso que cada vez que estoy probando una película en una conversación con el director, digo: "Puedo hablar contigo sobre lentes durante días, pero tienes que venir y mirar". ellos. No hay otra manera ". Como lo que dices, vienes desde un punto de vista artístico, no técnico y es como, sí, hay muchas cosas técnicas que necesitamos saber, pero ese no es el lugar para tomar decisiones, así que es necesario incluir a los directores en esa experiencia porque es un instinto. Para "Patrón de prueba" con Shatara, fue lo mismo. Probamos un montón de anteojos en Panavision, y ella dijo: "Estos". Y yo estoy como, "Está bien". [Risas] Lucharé si estoy muy en contra, pero en ambos casos la película lo pedía, así que hagámoslo.

¿Cómo ha sido ver a este en el mundo?

Es increíble. Solo ver mi trabajo en teatro me da esta alegría infinita. Ayer fui al Angelika a ver una película diferente y mientras entraba con mi pareja, estábamos hablando de "Sanctuary" y detrás de nosotros, una madre y un hijo nos escucharon y nos dijeron: "Oh, ' Sanctuary', fue genial. Lo vimos la semana pasada. Fue fantástico". Y yo estaba como, "Sí, disparé eso". Eran como, "Oh, espera, ¿qué?" Y estoy agradecido de que Zach me haya acogido y estoy muy orgulloso de ello. Fue una experiencia increíble y se está distribuyendo y estrenando ahora mismo en Italia, que es de donde soy, y se está proyectando en un cine de mi propia ciudad, lo cual es súper aleatorio porque es una ciudad pequeña, pero es como, "Oye. , me fui hace 12 años por esto. Esto es lo que hago y este es el sueño que seguí".

¿Cómo terminaste entrando en esta línea de trabajo en primer lugar?

No sé si tengo una respuesta para ti, lo que significa que vengo de una familia de médicos, así que se suponía que debía ir a la escuela de medicina, pero no estaba muy seguro de lo que quería hacer cuando tenía 18 años. [ En Italia] eso es más fácil, porque no tienes que pagar cientos de miles de dólares por la educación, así que puedes tomarte tu tiempo para averiguar las cosas. Siempre me ha gustado ir al cine y mi mamá me traía desde que tenía cinco años, entonces siempre tuve amor por el cine y la narración de cuentos. La cámara [específicamente] vino a mí porque en algún momento de mis estudios, mi novio en ese momento era un tipo muy egocéntrico y quería hacer cortos y serlo todo. Él era el artista, así que no quedaban muchos lugares, pero la cámara era uno de ellos, así que dije: "Claro, puedo estar detrás de la cámara. No necesito ser el centro de atención". Y luego comencé a darme cuenta de la magia: cuando todo se calma y no se trata de política, estás detrás de la cámara y eres la primera audiencia. Simplemente me pone la piel de gallina.

Convertirse en un DP implica mucho más porque también debe ser un buen líder para su equipo porque ellos deben seguirlo y usted debe cuidarlos, por lo que debe administrar el poder de una manera que pueda. No tengo disparo de energía. Eso no es todo. Se trata de escuchar a otras personas, y tengo suerte. Es el mejor trabajo del mundo y es la gente. Cuando conoces a personas como Shatara y Zach, son artistas, tienen una visión, tienen una voz y todavía tienen espacio para que te lleves bien con ellos y hagas cosas. Esa es la magia. No hay nada más.

"Santuario" ya está en los cines.